在艺术家的眼中，艺术品的价值到底是怎样？
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儒客非儒客认为，在真正的艺术家眼里艺术的终极价值应该是：
1.它是艺术家的生命。艺术家往往把自己的艺术品看作比自己的生命还重要。达芬奇几乎用了一生时间在不断修改完善《蒙娜丽莎》，寻找那永恒的微笑。米开朗基罗为创作《西斯廷天顶画》，由于长期一个姿式工作颈部发生严重变形。高更为了艺术灵感毅然放弃了银行家的优越收入、地位以及幸福的家，去太平洋岛上的原始部落中生活。
2.它是永不停止的创造。达芬奇为艺术研究人体解剖，把人体画得和实际一样准确。拉斐尔突破传统，第一个把神性的圣母画得象一个慈母。伦勃朗力排世俗对“阴阳脸”的顾忌，在自己的画中使用前人未用过的光线效果。莫奈的《日出.印象》打破了学院派统治画坛的金科玉律，印象派开始登上历史舞台。塞尚首先用几何体的画法创作，成为现代派的鼻祖。
3.它是独一无二的风格。正如齐白石所说“学我者生，似我者死”，每个艺术家必须拥有自己独特的审美体验、表达语言和标志性倾向性。梵高热烈的色彩、达利的潜意识表观、毕加索的立体叠加等等，都是世界上没有第二个的“那一个”。
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艺术品的价值问题，是个复杂的价值体系，从某种意义上来说，艺术家眼中的艺术品的价值是纯粹的价值。
用一句话来概括，艺术家眼中的艺术品就是自己的孩子和命根子。
只有上升到这种高度来理解艺术品的艺术家，才称得上是真正的艺术家。
每一件艺术品都是独一无二的。
所以，在艺术家眼中，一件好的艺术品是自己心血的凝聚。
艺术家创作一幅作品，往往耗时长久，比如米开罗基罗在创作大型壁画《创世纪》时，耗时四年多，等他完成这幅作品时，有人说他老了十几岁。
除了时间的消耗，艺术家眼中的艺术品，还是灵感的集合。
艺术品之所以不同于其他工业化制品的价值在于，它承载着艺术家的创作时的灵感和灵光。
灵感，是艺术的生命力和原生力，没有这两点，就称不上艺术品，最多算是工艺品。
艺术家眼中的艺术品，一定要具备文化的内涵。
在文艺复兴时代，绘画艺术作品除了传播宗教与神话思想，还蕴含着人文的精神和新兴资产阶级思想解放意识。
在印象派崛起的那三十多年，艺术家诠释的是颠覆性的油画色彩文化。
在马蒂斯、毕加索、杜尚的时代，现代主义流行文化开始被他们的作品带向全世界，艺术品的力量以看不见的形式渗透到世界的各个角落。
艺术家眼中的艺术品，不仅仅是其个人审美价值的体现，更是一种能够将人类的审美集合成一种共识能力。
基于上述理解，人类往往会把艺术作品理解成人类文化的瑰宝，这一点也不过分。
许多中外艺术家在某种特立环境下，总说“艺术是无价的”，可这总有些不食人间烟火的味道，真正无价的艺术品不是艺术家生前自己确定的，而是由漫长的历史决定的，如放在国家博物馆的《韩熙载夜宴图》，如山水大师范宽的，放在天津博物馆的《雪景寒林图》，还有卢浮宫那些文艺复兴时大师们的杰作，如放在巴黎卢浮官的，达芬奇的《岩间圣母》，如大卫的《萨宾妇女》德拉克诺瓦《但丁的小舟》等，那才是无价的国宝，你出价多少钱也买不走，活着的的艺术家，没有几个人敢自称其作品是无价之宝，外国的的艺术家们，如安格尔的《土耳其浴室》，就是给拿破仑的公主妹妹画，也是要付钱的，西方五百年艺术史中，那个个光彩夺目的大画家，都是在把自己的作品侍价而估。
中国千百年来除了文人间的相互酬作，其它能进入市场的艺术，也都会换回银两改善生活，还别提明时的文征明，唐寅，仇十父等，他们都到市场卖画，清朝的郑板桥和遗老遗少，民国的吴昌硕，张大千，陈半丁，齐白石，徐悲鸿等那个不卖画谋生，只是解放后的非常时期，如打砸抢抄文物约文革时期，艺术家们‘’躲进小楼成一统，管他冬夏与春秋‘’。从1993年中国有拍卖公司时，各种各样的艺术家及作品，都送到拍场拍卖，包括买了八千万的靳尚谊《维吾尔姑娘》，还有吴冠中，吴作人，李可染等等，在市场经济的艺术品交易中，他们都用市场的眼光看待自己的作品了，很少再有抱着自己作品孤芳自赏的艺术家了。现在所有的在世艺术家的艺术品都是由艺术市场决定价值和价格，包括可拍卖的文物级艺术品。
优秀艺术品之所以优秀，是因为集合了天时地利人和的所有条件才塑造出来的。天时指的是艺术家学养积累到一定程度，已经达到最好的创作年龄段，地利是指艺术家拥有一个良好的创作环境，人和指的是艺术家心无旁骛，一心只想把这幅作品创作好。
达芬奇《蒙娜丽莎》
当艺术家抱着极高热情和付出极大心血创作完一幅作品后，在艺术家眼里，这幅作品就是他的生命的另一半，或者说是他的孩子，艺术家常常喜欢对别人说：我这幅作品是无价的，你想掏多少钱我都不会卖给你。
布格罗《突袭》
但实际上，艺术品的价值并不是由艺术家说了算，牵扯到许多方面。优秀艺术品的价值到底值多少？从古到今，一直没有一个统一标准，如果非要用价钱或数字来量化它，基本上可以从以下几个方面来考量。
保罗·德尔沃《生命的喜悦》
其一，看作品的独创性是否突出。
独创性是衡量艺术品价值的最重要的标准。是指此件艺术品具有独一无二性，艺术史上没有哪个艺术家这样创作过，无论是创作方式、创作思维和思想，还是作品风格等方面，都是全新的。
另外，对艺术家个人来说，这幅作品是他一段时期内个人风格的唯一代表。就像王羲之的《兰亭集序》、达芬奇的《蒙娜丽莎》，世界上再也找不出类似的第二幅这样的作品，别人无法复制，他自己也无法复制。
高更《恋人》
其二，看作品的艺术技巧是否高明。
优秀艺术品的价值也体现在艺术技巧的与众不同上，如果是用别人的技法和技巧创作出漂亮的作品，但毕竟不是个人独立创作出来的，在艺术独创性方面要大打折扣。
就像梵高为什么能被记住，就是因为他首先使用粗犷的波浪形笔触来画画，让画面增加了许多动感，具有极强视觉效果，开创了一个画风，促进了新技法诞生。
梵高《梅花盛开》
其三，看艺术品本身的知名度和市场的接受程度。
酒香也怕巷子深。一件优秀艺术品不但要好，并且要出名，在市场上要被广为人知，才可能拥有很高价值。
说到底，还是要进行适当宣传。许多艺术家画得其实不错，只不过在生前没有进行有效推广，导致艺术价值被淹没了。这样的例子比比皆是，像梵高，莫迪里阿尼都是如此，生前没人关注，作品一文不值，死后，他们的作品经过一些画廊的宣传炒作，已经达到了天价，被市场广为认可。
艺术家当然希望自己的艺术品是无价的，像众星捧月，如果艺术家创作艺术品只是纯粹的让人欣赏，不能拥有一定的商业价值，是绝对不会坚持创作的，更不用谈什么德艺双馨这样的虚名了，只有先填饱肚子才能讲情怀，
艺术家看自己的艺术作品是越看越顺眼，看到最后却迷失方向了，毕竟“当局者迷”，艺术品的价值不是由艺术家自己决定的，哪怕艺术家告诉别人，自己创作时是多么的呕心沥血、突破艰难，把艺术品当自己的亲生孩子或爹妈都无济于事，因为艺术品的价值由市场说了算，
艺术这东西是很奇妙的，只有在太平盛世人们的物质生活质量有所保障之后，才会去追求艺术，这并不是庸俗，这是很现实的问题；艺术就像千变女郎，有时候也是“心灵鸡汤”，毫无节制的去追求只会让人患得患失，换句话说没有一定的资本驾驭不了艺术，
作为一名艺术家眼中艺术品的价值，充其量只是艺术家自身的价值体现，比如，艺术家的世界观、人生观、价值观，只有大格局才会有旷世杰作，一味的在技巧上下功夫，只是让艺术品的表象更完美而已，就好比在“铁铜上镀金”，然后嘴巴上抹点油通过人为的宣传，当然了这也是不能长远的。
艺术家眼里的艺术品，是自己心灵的产物。当他的作品旦生，会非常喜欢，自己觉得无价之宝，但在别人眼里，可能是一钱不值，或者是几百元的消费品。遇到有缘人，亦可出高价购之。
艺术品在艺术家里，有阶段性的喜欢，随时间推移，对某艺术品的喜爱度而增减，而不是一成不变。
艺术家钟情于某一领域的作品气质倾慕，应该是本人的生活写照。
每个艺术家眼里的艺术价值都不一样，这要分人。真正热爱艺术，并希望一直做下去的人他们眼里的艺术价值都是无价的，而且他们不会白白送给别人画，因为那就像自己的孩子一样重要重要！