如何才能创作出具有摄影风格的油画艺术作品，但又不能让人觉得是纯粹照片的样子？

艺术是相通的，绘画、摄影、雕塑、音乐等艺术之间的关系是微妙的，特别是摄影和绘画之间，被称为“姐妹艺术”，这种关系可以说是微妙到极致了，问题来了：如何才能创作出具有摄影风格的油画艺术作品，但又不能让人觉得是纯粹照片的样子？

具有摄影风格的油画艺术作品

开篇简单提到了，摄影和油画是“姐妹艺术”，它们身上有很多相似的地方，摄影虽然只诞生一百多年时间，但是它对于人类文明的进步已经产生了毋庸置疑的巨大推动作用，而且优秀的摄影作品完全可以像文学、雕塑和绘画作品一样给人带来美的享受，

言归正传，要创作出具有摄影风格的油画艺术作品，须通过构图、线条、光影、色彩来创造一种美的韵律，因为摄影本身并非单纯记录物象，摄影不仅是一门技术，更是一门艺术，我们都知道，技术之下的照片是没有情感的，唯有艺术作品才会有丰富的情感，

之前说过，任何艺术都有它的载体，色彩是油画艺术的载体，摄影艺术是对光影的再现，当然了，在油画艺术中，也离不开光影，同样，在摄影艺术中，依然存在着色彩，所以说，色彩是油画艺术以及摄影艺术的重要属性，对于塑造形象、表现主题、烘托氛围都起着重要作用，

具有摄影风格的油画艺术作品，那非超写实主义油画莫属了，但又要避免油画作品跟纯粹的照片一样，缺乏情感，深入点说是缺乏“写实”，这是很考验一个画家的绘画造诣的，稍不留神就画的和照片一样，此时该怎么办呢？或许可以这样子，将超写实主义油画，描绘的接近“新古典主义”风格，像安格尔、布格罗那种，这一切都要在色彩光影下功夫，让画作的情感更丰富复杂，这可以避免画出来的油画跟纯粹的照片一样。

作为一个艺术工作者，我认为用自己独有的技艺，用个人独特的想法，来创作似摄影又不同于摄影的油画艺术作品。

油画是绘画，摄影是照相。油画作为绘画艺术，有其独有的绘画材料和技法，油画产生五六百年，时间上来说并不长，但从诞生始，就以它强大的现实塑造力征服观众。

油画从具体的表现上来看，有具象，有抽象，具象里还有写实流派，写实里还有超级写实主义，这也就是平常所说的“画的逼真”，如同摄影般逼真。

摄影是人工发明的光影技术。摄影能在一瞬间抓拍生活中的万千变化，摄影离不开活生生的生活。摄影所表达的物像都是自然的现实景象，忠于生活，忠于原型。

油画有超凡的塑造能力，可以画的和照片一样，但是，油画毕竟是绘画，都是一笔一划画出来的作品，再如何逼真像摄影，也是绘画的韵味。

在油画创作中，多有主观的想法，利用超级写实的技艺来表现绘画题材，逼真，超级逼真，不是摄影胜过摄影。

艺术来源于生活而高于生活！当把油画作品画成与照片一模一样也就失去了画画的艺术品味了。艺术价值之所以要高于照片，一定要和照片有所区别的！因此题主的话，应该是每一个艺术家必须具备的艺术素质！他创作的作品一定要区别于照片。当然对于和照片区别的形式和方法有很多，在把照片作参考的情况下，保留照片中的美好生活情景动态，可以从色彩、从构图、从笔法等等方面去完善画面，让画面变得更加完美，更加艺术！

这类作品大家可以参看照相写实主义，这里面有个绕不过去的“大山”级人物，那就是格哈德·里希特（Gerhard Richter），他的早期风格就有照相写实。

这类作品介于摄影与绘画之间，同时又扩展和放大了摄影的更多可能性，画面细腻的同时一种新的气质和内涵被注入，在表象的真实中隐含着诗一样的迷离与美感，这是客观美学与主观表达的合体再生。

像这类艺术风格的画面把握，我相信大部分经过了刻苦基础训练的美院本科生（油画）都是不会存在太大问题的！只是那一层诗意的朦胧（不单指朦胧效果也可以是其它技法，本文指里希特的画面风格）中所渗透出来的、能带着观者情感“私奔”的特质，就不是一般艺术家可以手到擒来的了；

这种特质往往决定了一幅作品的终极灵魂！

之前笔者有看到过关于里希特的一个传记电影，在这个电影里面有交代他的各种创作尝试，一开始的时候也是像很多新手艺术家一样，努力的标榜自己的独特和技艺，玩符号做装置都涉猎，总之要在同学和其他艺术家之间突出自己的不一样！但自从他的怪导师给他讲过自己的真实故事和情感并在参观完他的工作室做离别时，特意的做了一个脱帽致意后，里希特的所有浮想才被通通击穿，散落一地！

自那一刻起，他决定彻彻底底的做回自己，回归本然！（好比一个修行高人突然茅塞顿开，顿悟了、通达了）

他重新梳理自己的记忆、过往和那一个个脑海中挥之不去，打下深深烙印的特殊情结，然后用自己朴实得就像吃饭走路一样不虑而知的方式（架上绘画）呈现出来，虽然影片中用的是他在照相写实之后的一个风格作品做的表达，但我相信他的照相写实之所以独具魅力，作品赋“灵”路线定不会有偏差。

照相写实主义其实跟其它任何艺术创作一样，有骨有肉的同时最重要的依然是要有“灵”！因为只有这个“灵”才是艺术通用的免死金牌！

这个“灵”是什么呢？蒙娜丽莎的眼神会告诉你！大卫的坚毅会告诉你！丢勒的兔子会告诉你！伦勃朗的光会告诉你！莫奈的光色会告诉你！巴尔蒂斯的诡谲会告诉你！王希孟的千里江山会告诉你！范宽的溪山行旅会告诉你……

这是艺术最高境界，齐白石说相与不相之间，是油画之最高境界，如果把油画画成跟照片一样，则失去画的意义，艺朮给人一种朦胧之感，这个度就是齐白石大师能达到的至高点，他能控制度，别人拿不准，。蒙娜丽莎的微笑永远给人以朦胧之感。我认为两大师异时异国异艺而比肩。让人惊叹！仰望千秋！

在回答你这个问题之前，我们首先对油画的发展历史和现状做一个简单的回顾。从现状来看，油画的流派分为两大类。第一类是以“客观再现为主”的创造性作品；第二类是以“主观表现为主”的创造性作品。

先看看分类：

第一类中如文艺复兴后出现的巴洛克 、洛克克、古典主义、学院主义、浪漫主义、现实主义、写实主义、照相写实主义、印象主义等都是以再现自然为基础，表现作者不同的思想与目的。

第二类即后印象主义、野兽派、立体主义、未来主义、抽象主义、超现实主义等，它们不再是对客观对象的真实描绘，而是根据画家的主观意图进行自由创作，它们大多出现在20世纪以后。

再看看油画发展历史：

油画起源于15世纪以前的欧洲，也就是说油画是伴随着欧洲文艺复兴运动而兴起的产物，早期的油画作品，不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。随着油画的发展，油画创作者们通过对油画的光感、色彩进行变革，一部分油画强调了油画的光感，例如运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。 在色彩方面，例如英国画家j.康斯特布尔最早直接用油画在室外写生，获得丰富的色彩感受，形成了震动当时画坛的风格。到了19世纪初，欧洲油画出现了有明确艺术主张的流派，虽主要体现在艺术主题和内容上，但油画技法也各具面貌。从19世纪末叶开始，西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和，因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创造原则，艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然，而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介，以想象、幻想等方法构造作品。

进入当代，虽然在创作手法以及创作手段上得到了空前的提高，但是，由不同的艺术观念形成了不同的流派，包括传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式影响着现代油画创作者们，而这些因素仍然制约着现代油画创作的突破。

有了以上对油画历史和现状的回顾，可以不难回答你的问题，简单来说，你所提的问题是照相写实主义流派常见的问题。他的基础是以客观再现为创作基础，它的特点是逼真，它的目的是表达作者内心世界及思想，艺术之所以为艺术，就是来源于生活，却高于生活。如果我们把油画做成了照片，尽管做到非常逼真，甚至达到了客观再现的程度，那也是一件行尸走肉、没有灵魂的东西，好的油画作品，一定是虚实结合，正所谓“一阴一阳之谓道”，对于艺术创作亦是如此，不论是上面提到的现实主义和超现实主义各流派，他们的区别仅仅是“实多虚少”，或者是“虚多实少”，仅此而已。有人不禁要问，那是“虚”多一点好呢，还是“实”多一点好呢？这里可以非常明确的说，“多与少”只与作者创作的对象以及要达到的目的及效果有关，与其他无关，离开他们，“多与少”没有意义。反过来我要讲的是，对于以“主观表现为主”来创作的“超现实主义们”，他们的作品中不要一味强调“虚”的东西，加一点点“实”的东西，否则，太虚无缥缈，除了自己，无人能懂；对于以“客观再现为主”来创作的“现实主义们”，他们的作品中加一点点“虚”的东西，否则，平淡无奇，缺乏灵魂。

总之，艺术创作的目的是表达作者的思想，而不是为了创作而创作，所有的创作手法与手段都是为创作目的而服务的，这里不禁呐喊，我们少一点流派，少一点主义，返回到艺术创作的本身，或许未来我们可以期许有更多的艺术大师的出现！谢谢！